O primeiro grande filme de Steve McQueen, uma pintura de Chris Ofili em homenagem a Doreen e Stephen Lawrence e imagens de clubbers na Haçienda serão exibidos na Tate Britain como parte de sua exposição dos anos 90.
A mostra irá explorar a arte e a moda durante uma década que remodelou a identidade cultural da Grã-Bretanha e “estabeleceu condições que ainda estão entre nós”, disse Edward Enninful, antigo editor da Vogue britânica que é curador da exposição.
Com lançamento previsto para este outono, The 90s: Art and Fashion apresentará trabalhos de quase 70 artistas, fotógrafos e designers, desde Young British Artists até Alexander McQueen e Damien Hirst.
Irá destacar jovens talentos artísticos que surgiram durante o período e dar ao público a oportunidade de reconsiderar a época como um ponto de viragem na arte britânica. A exposição incluirá artistas cujo trabalho chamou a atenção daqueles que foram amplamente excluídos da narrativa dominante da Cool Britannia da época.
Jovem Pink Kate, Londres (1998). Fotografia: Juergen Teller/PA
Entre as obras apresentadas está o primeiro grande filme de Steve McQueen, Bear (1993), um retrato cinematográfico de um confronto íntimo entre dois homens; A pintura ganhadora do prêmio Turner de Ofili, No Woman, No Cry (1998), que ele fez em homenagem aos Lawrence; e vídeo de Keith Piper refletindo sobre esporte e identidade nacional.
Tate disse que a exposição abriria com uma exploração da atitude “faça você mesmo” do período, com fotografias de Corinne Day, Nigel Shafran e Juergen Teller – que estiveram na vanguarda da definição do estilo grunge “antimoda” – para publicações como iD e Dazed & Confused.
Barbara Walker, Jenny Saville e Gillian Wearing, que usaram pessoas reais como musas, também estarão presentes, assim como Tracey Emin, Sam Taylor‑Johnson e Sarah Lucas, que cativaram o público com seu espírito anárquico e trabalho franco abordando agência, identidade e classe.
A atitude jovem da década será capturada em filmes e fotografias, desde o filme de Mark Leckey, Fiorucci Made Me Hardcore, de 1999, até imagens que documentam jovens em clubes noturnos, incluindo o Haçienda em Manchester e o Bagley’s em Londres.
A exposição também explorará os seus movimentos conceptuais, incluindo a resposta de Hamad Butt ao impacto da crise da SIDA e as esculturas cheias de formaldeído de Hirst.
Desfile de moda de Alexander McQueen em 1998. Fotografia: Guy Marineau/Vogue/Conde Nast/PA
Há trabalhos de designers visionários que confundiram os limites entre arte e moda, desde as apresentações provocativas de Alexander McQueen até as roupas de Hussein Chalayan inspiradas em objetos do cotidiano.
A exposição terminará com artistas e designers que consideraram o passado e o futuro da Grã-Bretanha, como Yinka Shonibare e Maud Sulter, que colocaram questões de diversidade e representação, e Vivienne Westwood e John Galliano, que interrogaram estilo, classe e mitologia nacional.
Enninful disse que o ano de 1990 foi um “momento de transição”, acrescentando: “Londres na altura não era a capital global polida que é hoje – era crua, instável e cheia de possibilidades. Havia uma sensação de que algo estava a mudar, mesmo que não tivéssemos a linguagem para isso.
Edward Enninful, curador da exposição. Fotografia: David Levene/The Guardian
“O que definiu esse período para mim não foi um movimento único, mas uma energia – uma recusa da hierarquia e uma crença de que novas vozes poderiam e deveriam ser ouvidas através da arte, moda, música e criação de imagens.”
Ele disse que, sendo um jovem negro de Ladbroke Grove, em Londres, o momento também era sobre acesso e “encontrar um lugar dentro de espaços que não foram construídos pensando em você”.
“A década de 1990 estabeleceu condições que ainda existem entre nós”, disse Enninful. “A fusão da alta e da baixa cultura, a politização da moda e da imagem e a emergência da diversidade como força criativa.
“E talvez, o mais importante, lembra-nos que as questões que fazíamos na altura continuam a ser urgentes agora – questões de visibilidade, acesso e quem pode ser visto.”
A exposição, acrescentou Enninful, foi “um convite, não para olhar para trás, mas para olhar novamente, para reconsiderar aquela década, não como um capítulo encerrado, mas como algo ainda em desenvolvimento”.