Kyotographie é o principal festival de fotografia internacional do Japão. Realizada a cada primavera desde 2013, cada edição tem um tema diferente – e este ano é “Edge”.
É um tema suficientemente amplo para permitir alguma liberdade na curadoria, ao mesmo tempo que evoca uma sensação de tensão nas 14 exposições do principal festival de Kyotographie.
Mais de 200 imagens, 400 revistas e 100 livros cobrem as paredes e mesas de Daido Moriyama: Uma Retrospectiva, e ainda parece que está apenas arranhando a superfície da carreira extraordinariamente prolífica deste fotógrafo.
Nascido em 1938, Moriyama fez parte de uma geração inovadora de fotógrafos do pós-guerra cujo trabalho apareceu em revistas e mais tarde foi definido por um visual conhecido como are-bure-boke (áspero, desfocado, fora de foco). Ele é um fotógrafo que questiona constantemente o significado da fotografia e como ela pode ser utilizada. Hoje com 80 anos, ele ainda fotografa todos os dias e publica a revista Record.
Desde o início, a sua produção de imagens afastou-se do estilo de documentário social ocidental para um estilo movido pela expressão e pelo sentimento. O Japão na década de 1960 já não estava ocupado pelos EUA, mas a presença desse país foi sentida nas numerosas bases militares e no influxo da cultura ocidental. Moriyama usou sua câmera como veículo para navegar nesse período de transição no Japão. Sua abordagem radical mergulhou na cultura popular e na crescente agitação política para produzir imagens sombrias e atmosféricas.
Um projeto brilhante apresentado aqui é uma série feita para a revista Asahi Camera em 1969, que a cada mês questionava um aspecto diferente da mídia noticiosa. Na edição de janeiro, Moriyama analisou o impacto do assassinato de Robert Kennedy em 1968 e, ao fotografar uma tela de TV que mostrava a imagem do assassinato e fotocopiar páginas de jornais, mostrou como uma notícia é mediada por imagens.
Para a edição de abril ele pegou uma teleobjetiva, na época um equipamento novo, e focou-a em pessoas comuns e desavisadas. As imagens ressoam com o estilo do filme noir e um estranho prenúncio da vigilância por câmeras e do reconhecimento facial na vida moderna.
O trabalho de Linder Sterling também está presente na cultura das revistas. Ela começou a trabalhar em fanzines em Manchester no auge do punk, quando a grande mídia significava apenas três estações de TV e jornais. Os fanzines, que podiam ser feitos com pouco dinheiro em casa, na mesa da cozinha, eram radicais e entusiasmantes – e uma forma de fazer com que a sua arte fosse vista.
As revistas – fossem elas de moda, DIY ou pornografia barata – tinham todas um denominador comum: corpos de mulheres, que Linder recortava e colava com imagens de objetos domésticos, usando bisturis cirúrgicos como instrumentos de precisão, para criar provocativas fotomontagens feministas.
Da série O que eu faço para agradar você, eu faço, 1981–2008, e Sem título, 1976-2024, ambas de Linder
Ela também liderou a banda pós-punk Ludus e trabalhou com músicos, criando a capa do álbum Orgasm Addict, do Buzzcocks, onde o corpo de uma mulher musculosa tem um ferro no lugar da cabeça e bocas nos seios. A imagem é simples e sofisticada e consegue ser sexy e subversiva.
Quando começou a usar o próprio corpo nas fotografias introduziu um elemento de performance nas sessões fotográficas onde materiais do quotidiano como película aderente ou imagens arrancadas de revistas eram usados para criar retratos que são quase como colagens vivas.
Thandiwe Muriu é o artista africano residente deste ano. Ela usa o tecido de algodão cera colorido e estampado, conhecido como kitenge no Quênia e popular em toda a África, para levantar questões sobre identidade, cultura e empoderamento feminino. Os padrões têm significados ocultos – um chamado “olho do meu rival” é usado para expressar ciúme – por isso tem uma linguagem própria.
Sua série Camo é exibida em um antigo prédio de madeira onde os quimonos ainda são feitos à mão. As mulheres camufladas estão vestidas de kitenge e ficam diante de cenários com os mesmos padrões, de modo que quase desaparecem.
Muriu fala sobre se sentir quase invisível para a sua comunidade quando se afastou do que se esperava dela para se tornar uma das poucas fotógrafas publicitárias do Quénia. Nas suas fotos, os penteados fazem referência a looks pré e pós-coloniais de toda a África e todas as modelos usam óculos surreais que Muriu cria a partir de utensílios domésticos de uso diário que bloqueiam seus olhos.
Não posso deixar de me lembrar das colagens de Linder de mulheres recortadas de revistas pornográficas com objetos do cotidiano cobrindo seus rostos.
No primeiro andar de um pequeno prédio que já foi um armazém, há uma sala escura com apenas uma fonte de luz proveniente de um iPhone suspenso no teto. O telefone mostra Fatma Hassona, uma jovem fotógrafa palestina em Gaza falando para a câmera. Do outro lado da videochamada estava o cineasta Sepideh Farsi em Paris. Eles conversaram ao longo de um ano, de 2024 a abril de 2025. As filmagens dessas conversas, juntamente com as fotografias de Fatma, resultaram no documentário Put Your Soul on your Hand and Walk. Em 16 de abril de 2025, Fatma foi morta junto com nove membros de sua família em um ataque aéreo israelense.
É uma experiência incrivelmente poderosa e comovente ficar na escuridão quase total observando Fatma, que muitas vezes sorri e está cheia de energia positiva, falar sobre a realidade da vida no norte de Gaza devastado pela guerra – as horríveis condições de vida, as mortes de familiares e amigos, bem como as suas aspirações e o que a fotografia significava para ela.
A sua necessidade de mostrar ao mundo o que estava a acontecer às pessoas comuns em Gaza foi o que a levou a fotografar os horrores. Quando Farsi pergunta se algum dia ela gostaria de sair, sua resposta é: “Minha Gaza precisa de mim”. A exposição também apresenta uma apresentação de slides de suas fotografias da guerra.
Descrevendo a experiência de sair de casa pela primeira vez: “Saí para as ruas e comecei a andar. Nos lugares que haviam sido destruídos… então percebi que os sons que estava ouvindo… Nos últimos seis meses… eram isto. Esta destruição!” Fotografia de Fatma Hassona
Uma rara filmagem do fotógrafo sul-africano Ernest Cole, feita em 1969, está em exibição na exposição de seu livro House of Bondage. Foi filmado logo após sua publicação, quando ele estava fora do país e acabava de ser proibido de retornar. Ele fala diretamente para a câmera, um jovem de apenas 29 anos, exausto e frustrado. House of Bondage foi o culminar de anos de trabalho documentando as duras realidades da vida sob o apartheid. Foi também o primeiro livro de um fotógrafo negro a mostrar a experiência dos sul-africanos negros. O livro pretendia ser um veículo de mudança, uma exposição exaustiva que seria mostrada às pessoas no poder fora da África do Sul, mas na sua maioria caiu em ouvidos surdos.
Sinalização de segregação, África do Sul, década de 1960, de House of Bondage, de Ernest Cole
A exposição é como percorrer o livro, organizado por capítulo, com fotografias adicionais, capas de revistas e notas pessoais escritas por Cole. Estou impressionado com o quão sensível ele era como fotógrafo – há verdadeira beleza e calor nos rostos das pessoas, apesar das circunstâncias – e o poder narrativo em suas composições.
É difícil pensar no que aconteceu com Cole depois de House of Bondage como outra coisa senão uma tragédia. Mudou-se para Nova Iorque, onde tentou estabelecer-se como fotógrafo, conseguindo trabalhos da agência Magnum, mas viver no exílio num país dividido pela sua própria cultura racista deve ter sido uma luta impossível. No final, ele abandonou a fotografia e ficou sem teto. Vivendo nas ruas até sua morte por câncer em 1990.
Os alunos se ajoelham no chão para escrever. O governo foi casual ao fornecer escolas para estudantes negros. África do Sul, década de 1960, de House of Bondage, de Ernest Cole
Além das 14 exposições no festival principal de Kyotographie, há 164 exposições no festival satélite KG+, que inclui uma exposição com júri. O vencedor é exibido no festival principal do ano seguinte. Há também palestras, workshops e uma feira do livro. Acrescente a isto o programa de música experimental, que acompanha as exposições e deu origem ao seu próprio festival – Kyotophonie – e Quioto parece estar a explodir com energia criativa.
O festival internacional de fotografia Kyotographie decorre até 17 de maio. Karin Andreasson viajou para Kyotographie a convite dos organizadores do festival.